Expressionismo alemão

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O expressionismo alemão (alemão: Deutscher Expressionismus) consistia em uma série de movimentos criativos relacionados na Alemanha antes da Primeira Guerra Mundial, que atingiu o auge em Berlim durante a década de 1920. Esses desenvolvimentos na Alemanha foram parte de um movimento expressionista maior na cultura do norte e centro da Europa em áreas como arquitetura, dança, pintura, escultura e cinema. Este artigo trata principalmente da evolução do cinema expressionista alemão antes e imediatamente após a Primeira Guerra Mundial, aproximadamente de 1910 a 1930.

Foi um estilo cinematográfico cujo auge se deu na década de 1920, que caracterizou-se pela distorção de cenários e personagens, através da maquiagem, dos recursos de fotografia e de outros mecanismos, com o objetivo de expressar a maneira como os realizadores viam o mundo.

O expressionismo, cuja origem podemos remontar a fortes evidências em Van Gogh,^[1] se estendeu por quase todas as artes, como o cinema e a pintura, e caracteriza-se pela distorção da imagem (uso de cores vibrantes e remetentes ao sobrenatural), do retorno ao gótico e a oposição a uma sociedade imersa no desolador cenário do racionalismo moderno, pregador do trabalho mecânico. As vibrantes e alucinógenas pinturas expressam um desligamento com o real, a prioridade do "eu" e sua visão pessoal do mundo.

Tal identidade de uma arte de crise se intensifica ao coincidir com a instalação da frágil República de Weimar após uma catastrófica guerra perdida e um humilhante Tratado de Versalhes, que arruinou a nação alemã, o que contribuiu não apenas para formar uma nova proposta de postura estética, mas também uma moral de enfrentamento das autoridades (foi por essa razão que os nazistas consideraram o expressionismo uma arte decadente). O Nazismo e a própria Segunda Guerra Mundial destruíram muitas destas obras.

Entre os primeiros filmes expressionistas, Der Student von Prag^[2] (1913), O Gabinete do Dr. Caligari (1920), Von morgens bis mitternachts (1920), Der Golem^[2] (1920), Der müde Tod (1921), Nosferatu^[2] (1922), Fantasma (1922) e Schatten (1923) eram altamente simbólicos e estilizados.

O movimento expressionista alemão foi inicialmente restrito à Alemanha devido ao isolamento que o país experimentou durante a Primeira Guerra Mundial. Em 1916, o governo proibiu os filmes estrangeiros. A demanda dos cinemas para gerar filmes levou a um aumento na produção nacional de filmes de 24 filmes em 1914 para 130 filmes em 1918. Com a inflação também em alta, os alemães assistiam aos filmes com mais liberdade porque sabiam que o valor de seu dinheiro estava constantemente diminuindo.^[3]

Além da popularidade dos filmes na Alemanha, em 1922 o público internacional começou a apreciar o cinema alemão, em parte devido à diminuição do sentimento antialemão após o fim da Primeira Guerra Mundial. Na época em que a proibição de importação de 1916 foi suspensa, Alemanha tornou-se parte da indústria cinematográfica internacional.^[1]

Várias culturas europeias da década de 1920 abraçaram uma ética de mudança e uma vontade de olhar para o futuro, experimentando novas ideias e estilos artísticos ousados. Os primeiros filmes expressionistas compensaram a falta de orçamentos extravagantes usando cenários com ângulos absurdamente não realistas e geometricamente absurdos, juntamente com designs pintados em paredes e pisos para representar luzes, sombras e objetos. Os enredos e histórias dos filmes expressionistas freqüentemente lidavam com loucura, insanidade, traição e outros tópicos "intelectuais" desencadeados pelas experiências da Primeira Guerra Mundial (em oposição aos filmes de ação-aventura padrão e românticos). Filmes posteriores frequentemente categorizados como parte da breve história do expressionismo alemão incluem Metropolis (1927) e M (1931), ambos dirigidos por Fritz Lang. Essa tendência foi uma reação direta contra o realismo. Seus praticantes usaram distorções extremas na expressão para mostrar uma realidade emocional interna ao invés do que estava na superfície.^[4]

O extremo anti-realismo do expressionismo durou pouco, desaparecendo depois de apenas alguns anos. No entanto, os temas do expressionismo foram integrados em filmes posteriores das décadas de 1920 e 1930, resultando em um controle artístico sobre a localização do cenário, luz, etc. para melhorar o clima de um filme. Essa escola sombria e temperamental da produção cinematográfica foi trazida para os Estados Unidos quando os nazistas ganharam o poder e vários cineastas alemães emigraram para Hollywood. Esses diretores alemães encontraram estúdios de cinema dos EUA dispostos a adotá-los, e vários diretores e cinegrafistas alemães floresceram lá, produzindo um repertório de filmes de Hollywood que teve um efeito profundo no cinema como um todo.^[5] O teórico do cinema nazista Fritz Hippler, entretanto, era um defensor do expressionismo. Dois outros filmes produzidos na Alemanha nazista usando o estilo expressionista foram Das Stahltier (1935) de Willy Zielke e Michelangelo. Das Leben eines Titanen (1940) por Curt Oertel.

Dois gêneros que foram especialmente influenciados pelo expressionismo são o filme de terror e o filme noir. Carl Laemmle e o Universal Studios se destacaram ao produzir filmes de terror famosos da era muda, como O Fantasma da Ópera, de Lon Chaney. Cineastas alemães como Karl Freund (o diretor de fotografia de Drácula em 1931) definiram o estilo e o clima dos filmes de monstros da Universal da década de 1930 com seus cenários sombrios e artisticamente projetados, fornecendo um modelo para as gerações posteriores de filmes de terror. Diretores como Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Carol Reed e Michael Curtiz introduziram o estilo expressionista nos dramas policiais dos anos 1940, expandindo a influência do expressionismo no cinema moderno.

Para operar distorções “expressionistas” no cinema, que substituíam a descrição objetiva da realidade por uma percepção subjetiva, foi necessário recuperar todos aqueles truques especiais do antigo cinema de atrações, para recriar mundos irreais, distorcidos, alucinatórios. A utilização de métodos estilísticos exasperados e deformados despertou fortes sensações e emoções no público. A descoberta do chamado efeito Schüfftan, em homenagem ao grande fotógrafo Eugen Schüfftan, foi de grande importância na criação destes mundos irreais , que permitiu a criação de mundos virtuais a custos muito baixos em comparação com a cenografia.^[6] Consistia na utilização de desenhos animados que eram projetados e ampliados com um jogo de espelhos, até se tornarem o fundo de uma parte do plano, enquanto em outra os atores de carne e osso se moviam, talvez enquadrados de longe. Assim nasceram cidades fantasmas inteiras e uma arquitetura vertiginosa, verdadeiros ancestrais da tela azul contemporânea. O exemplo mais evidente da utilização deste método no cinema expressionista alemão é a imponente e moderna cidade que dá nome ao filme Metrópolis (1927), gigantesca justamente pela utilização do método Schüfftan.^[7]

Outra característica que fez a força do cinema alemão daqueles anos é a utilização do close-up com efeitos demoníacos e persecutórios ou, vice-versa, de vítima e perseguido^[8]. O grande valor expressivo dos rostos escuros, fortemente maquiados ou com expressões sobrecarregadas, foi explorado de forma coerente pela primeira vez na Alemanha deste período.

• Expressionismo
• Movimentos do expressionismo alemão nas artes plásticas:
  • Die Brücke
  • Der Blaue Reiter

Referências

• Expressionismo alemão

• Portal do cinema